Os dejo con sus propias palabras, porque todo lo que cuenta es muy interesante.

La fotografa

¿Quién eres?

Cada vez que alguien me hace esta pregunta mi cerebro entra en cortocircuito. La respuesta rápida y sencilla sería algo así como “Mi nombre es Cintia y soy fotógrafa comercial y gastronómica”. Lo cierto es que esa descripción se podría ir modificando en función de quien fuese el receptor. Para mis clientes soy la persona que les ayuda a mejorar su imagen de marca; para los lectores de la newsletter, una fotógrafa más que conocer e investigar, y con suerte, coger algo de inspiración; para mi madre… seré la hija despistada y cabezota que le saca de quicio en muchos momentos por pensar diferente, pero que ama profundamente.

Hace tiempo vi una entrevista en la que el entrevistador invitaba al entrevistado a explicar quién era sin hacer referencia a su nombre, su profesión, su sexo o su edad. Y eso es complejo, porque somos mucho más de lo que hacemos en el día a día. Somos ideas, emociones, sueños, metas, ilusiones, aprendizajes, errores… somos adultos pero con suerte también niños, somos fotógrafos pero también bailarines o artesanos. Simplemente somos, y seguramente, de mil maneras diferentes.

¿Cómo llegaste a la fotografía?

La fotografía fue algo que empezó a interesarme relativamente hace poco, más exactamente desde el COVID. Siempre he sido una persona creativa, de pequeña pasaba horas dibujando, haciendo manualidades, cocinando. Todo lo que sea hacer cosas con mis propias manos me encanta, me hace conectar conmigo misma.

Cuando llegó el COVID me dio por dedicarle más tiempo a la cocina, probar recetas nuevas. Empecé a hacerles fotos a mis creaciones y compartirlas en redes. Al poco tiempo me di cuenta de que mis fotos eran un desastre y quise mejorarlas. Fue entonces cuando descubrí la fotografía gastronómica. A raíz de ahí, empecé a hacer cursos, ver vídeos, y cuando me vi “preparada” me aventuré a emprender y empecé a contactar con marcas de alimentación. En realidad no sabía lo que se me venía encima… pero decidí ser valiente y seguir hacia adelante.”

La semana que viene, Cintia nos cuenta cómo trabaja , tiene un proceso de cuatro fases que es super interesante.

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Pocas veces he leído algo que defina tan bien por qué la fotografía nos importa tanto.

La mirada

El claroscuro no es solo una elección estética para Caro, como ella nos cuenta, es una extensión de su personalidad. “Soy alguien que a veces se muestra tímida y reservada, pero en otras ocasiones soy más abierta. Eso se refleja en la forma en que juego con la luz y las sombras en mis fotografías.” Una conexión entre quien es y cómo fotografía que pocas veces se ve tan clara.

Su trabajo fine art lleva esa mirada hasta el papel impreso. Para ella el papel no es un soporte, es el último paso de la historia de una imagen. Algo tangible, algo que se puede sostener.

Y luego está esa idea que me encanta: “Una imagen la completa el que la mira.” La fotografía como conversación. Como construcción compartida entre quien crea y quien observa. Cada mirada diferente termina una imagen de una manera distinta.

La semana que viene, Caro nos habla de sus influencias , y hay nombres que van desde Cartier-Bresson hasta fotógrafas japonesas que merece la pena descubrir.

Sus post anteriores:

Still Stories — Caro Hughes · La fotógrafa 1/5

Still Stories — Caro Hughes · El proceso creativo 2/5

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Las influencias

Pasar tiempo en esos entornos cambió mi manera de fotografiar. Me fui interesando menos en capturar una escena cualquiera y más en entender la historia, la emoción y la atmósfera que había dentro de ella.

En lugar de buscar imágenes obvias, empecé a prestar más atención a los detalles más silenciosos. La niebla posándose sobre las laderas, la luz tenue en los interiores, el tiempo cambiante, o expresiones sutiles que de otro modo podrían pasar desapercibidas. Esos entornos moldearon de forma natural los tonos y el estado de ánimo hacia los que me fui inclinando en mi trabajo.

También desarrollé una preferencia por condiciones más suaves y apagadas, niebla matutina, cielos nublados, luz que se desvanece , donde la atmósfera se siente más presente. La luz dura del sol y yo no solemos trabajar especialmente bien juntos.

La edición sigue siendo una parte importante de mi proceso, pero es algo de lo que me he vuelto más consciente con los años. En el pasado, era fácil confiar en la idea de que los problemas podían resolverse después en la edición. Más recientemente, he intentado alejarme de esa mentalidad y centrarme más en capturar la sensación de un momento de la forma más honesta posible en cámara, usando la edición como una forma de refinar más que de reconfigurar completamente la imagen.

En mi fotografía anterior, por ejemplo, si quería un retrato con un fondo más oscuro simplemente hacía los ajustes necesarios en la edición. Ahora intentaré encontrar un lugar con un fondo naturalmente oscuro, como una entrada a una casa del pueblo, antes de hacer el retrato.

La semana que viene cerramos con Ollie, su proyecto a largo plazo y un libro que está por llegar.

Borrowed Light — Ollie Pitt · El fotógrafo 1/5

Borrowed Light — Ollie Pitt · El proceso creativo 2/5

Borrowed Light — Ollie Pitt · La mirada 3/5

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Mi favorita es una Canon 5D Mark III (ya tiene sus años). Es una cámara con la que me siento cómoda, en la que los ajustes me salen casi sin pensar y con la que tengo la sensación de entendernos bastante bien. Claro que después de tantas horas juntas, nos conocemos.

Lo único es que es algo pesada, por eso la había dejado un poquito de lado, usando otra con la que me entiendo menos pero que es más ligera y cómoda.

Pero el otro día, aprovechando que es otoño y que el agua volvió a este río (la sequía ha hecho estragos), volví a esta localización. Buscaba luz dorada y reflejos. Con esta idea en la cabeza, volví con mi “primer amor”.

Me di cuenta de que con ella me olvido de cómo buscar o cambiar parámetros: sale en automático. Como con los zapatos: los viejos, los que ya están hechos a tu pie, ni los notas; los nuevos te encantan, pero todavía tienes que hacerte a ellos.

Con la fotografía me ocurre algo parecido. Cuando utilizo mi Canon, me resulta más fácil concentrarme en lo que tengo delante: la composición, la luz, los pequeños detalles de una escena o ese instante que quiero capturar. La cámara pasa a un segundo plano y mi atención se queda donde realmente importa.

Eso no significa que una cámara sea mejor que otra. Ni mucho menos. Cada una tiene sus ventajas y sus inconvenientes. Simplemente, hay herramientas con las que nos sentimos más cómodos, y esa familiaridad también influye en nuestra manera de actuar.

Y me vino a la mente esta cita:

Y, si me permitís un último consejo que en realidad no es un consejo, sino una preferencia personal: cuando salgáis a fotografiar, intentad llevar algo con lo que os sintáis cómodos. La escena, a veces, ya se encargará de poneros las cosas difíciles. No hace falta que también lo haga la cámara.

Historias de una carta 1/5

***

Al borde del río Loiret, afluente del Loira que pasa por Orléans. El loiret tiene unos paseo maravillosos, con casas al borde del río.

Hasta el próximo post.
Inquadratura

El fotógrafo

Martin Kocjan es fotógrafo de fine art minimalista, de Serbia. Su trabajo se construye casi por completo en blanco y negro, silencio, geometría, contraste y el uso deliberado del espacio vacío. Llegó a la fotografía hace unos diez años, primero por curiosidad, por la necesidad de observar el mundo más despacio. Con el tiempo, fotografiar dejó de ser documentar para convertirse en algo más cercano a destilar. “Reducir una escena a sus elementos esenciales.”

Lo que le atrae son los momentos estáticos: figuras aisladas, formas arquitectónicas, paisajes de invierno, sombras, reflejos… Escenas donde una pequeña presencia humana que nos muestra la proporción. Que nos da ese punto de dinamismo

Para él, la fotografía es una forma de crear orden a partir del ruido visual. “Me siento atraído por imágenes que se sienten quietas, equilibradas y ligeramente misteriosas.” Nos cuenta.

La semana que viene, Martin nos abre su proceso creativo.

Gracias, Víctor, por dejarme contar tu historia.

@laparadadelmar.mallorca

También aquí: @victorprietofoto_social

www.victorprietofoto.com

Todos los post:

Hungry Eye — Víctor Prieto · El fotógrafo 1/5

Hungry Eye — Víctor Prieto · El proceso creativo 2/5

Hungry Eye — Víctor Prieto · La mirada 3/5

Hungry Eye — Víctor Prieto · Influencias 4/5

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El proceso creativo

Caro trabaja exclusivamente con luz natural. Estéticamente es lo que más le convence, y además encontró en ese nicho un espacio de trabajo propio. La luz cambia, tiene límites, pero por ahora es donde se siente cómoda y donde mejor se expresa.

El revelado y la postproducción ocupan un lugar importante en su proceso, aunque no siempre fue así. Al principio tenía un discurso claro: la fotografía no se debe tocar demasiado. Con el tiempo y el conocimiento cambió de opinión.

Y el blanco y negro a veces lo decide antes de disparar, a veces lo descubre en el revelado. No hay regla fija. Hay intuición.

En cuanto al minimalismo, llegó sin buscarlo. “Empecé de manera intuitiva, no fue premeditado.” Al principio le resolvió la falta de recursos, menos elementos, más claridad. Después se dio cuenta de que era su lenguaje. “Para mí es darle prioridad a una sola cosa, a un solo objeto. Yo hago un minimalismo bastante intenso, potencio al máximo el objeto elegido.”

La semana que viene, Caro nos habla de su mirada más personal, el claroscuro, la identidad y el fine art impreso.

Still Stories — Caro Hughes · La fotógrafa 1/5

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La mirada

Cuando empecé a viajar con mi cámara, fotografiaba casi todo lo que encontraba. En muchos pueblos, los retratos comenzaban con poco más que una sonrisa, un pequeño gesto hacia la cámara y, con suerte, un asentimiento de aprobación antes de tomar la fotografía. A pesar de las barreras del idioma, esos intercambios simples a menudo me parecían suficientes en aquel momento.

Todo cambió cuando empecé a volver con retratos impresos y enmarcados de visitas anteriores. Para muchas personas, era la primera vez que veían una fotografía impresa de sí mismas. Ver esas reacciones me enseñó algo importante. La fotografía no siempre tiene que tratarse de tomar. A veces también puede tratarse de devolver algo.

Una vez que una persona veía su retrato, la noticia solía correr rápidamente por el pueblo. Empezaban las conversaciones, llegaban las risas, y antes de que me diera cuenta surgían nuevos retratos de forma natural a partir de esas interacciones. Algunos sujetaban sus fotografías sonriendo, mientras que otros las llevaban orgullosos por el pueblo para mostrárselas a vecinos y familiares. Todavía sonrío recordando una ocasión en la que, al enterarse de que había llegado su retrato, un padre salió corriendo de su casa en ropa interior para verlo. El pueblo estalló en carcajadas, pero a él no le importó. Agarró su retrato con entusiasmo, lo levantó hacia la luz del sol, radiante de orgullo.

Fueron momentos como estos los que cambiaron la percepción de la cámara en sí misma. En visitas posteriores, la noticia se extendía rápidamente de que “el hombre de las fotos” había vuelto, y en ocasiones alguien que se enteraba de mi regreso pedía un retrato. Nos dirigíamos a su casa donde ya estaban esperando, a menudo vestidos con su mejor ropa como si se prepararan para una ocasión importante.

Lo que más me quedó fue ver cómo había cambiado mi propio lugar dentro del pueblo. La primera vez que llegaba a algún sitio, la gente me miraba como si fuera de otro planeta. Unas visitas después, los niños venían corriendo por los caminos gritando “photo man!” en el poco inglés que sabían antes de desaparecer entre carcajadas. Incluso con un idioma compartido limitado, la fotografía se convirtió de alguna manera en su propia forma de comunicación. La cámara dejó de sentirse como una intrusión y empezó a sentirse más como un puente entre yo y las personas a las que seguía volviendo.

La semana que viene, Ollie nos habla de cómo todo esto cambió su mirada , y su forma de editar.

Sus post anteriores:

Borrowed Light — Ollie Pitt · El fotógrafo 1/5

Borrowed Light — Ollie Pitt · El proceso creativo 2/5

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Ahora si, comenzamos :)

Cuando era joven veía “La noche de…” (LND)

Vivía en La Rioja y tenía la suerte de poder verlo porque llegaba ETB, la televisión vasca, aunque emitiera en castellano.

El presentador era Félix Linares.

Antes de la película hacía una pequeña introducción. Hablaba del director, de los actores, de la historia, contaba alguna anécdota... Y después venía la película.

Había algo curioso: nosotros no elegíamos la película. Era la que tocaba aquel martes. Y, aun así, todos los martes a las diez de la noche yo estaba allí, preparada para verla, sin saber si me iba a gustar o no.

Esto me ha hecho pensar que hace unos años estábamos expuestos a la cultura de una forma diferente de como estamos hoy.

Me explico.

Usábamos más la radio, escuchando la música que estaban poniendo, no necesariamente la que tú habías elegido. Veías una serie porque era la que emitían en una de las pocas cadenas que teníamos. Y la perdías no había vuelta atrás. Más revistas… La oferta cultural era mucho más limitada que ahora, pero precisamente por eso descubrías cosas que probablemente nunca habrías buscado por ti misma.

A mí me abrió a muchísimas películas, géneros y formas diferentes de entender el cine.

Hoy tenemos acceso a prácticamente todo. Películas independientes, series, libros, música, fotografía... Podemos encontrar cualquier cosa y pasar horas consumiendo contenido. Pero hay una pequeña trampa: el algoritmo.

Porque cuanto más le indicamos que nos gusta, más de lo mismo nos ofrece. Nos facilita la elección, sí, pero también puede reducir nuestra capacidad de sorpresa.

Y aquí es donde me he dado cuenta de que Inquadratura tiene algo de aquel “La noche de…”. Cada día presento una fotografía y a el fotógrafo que está detrás. A veces te cuento su biografía, otras una historia sobre su proceso creativo, lo que hace diferente a su mirada, sus influencias o simplemente algo que me ha llamado la atención de su trabajo.

No sabes necesariamente si ese fotógrafo te va a gustar. Quizá no sea un estilo que habrías buscado. Pero precisamente de eso se trata. De dejar un pequeño espacio para que alguien te descubra algo que tú no habrías elegido.

Quizá, sin darme cuenta, estoy intentando reproducir un poco aquello que tanto me gustaba de “La noche de…”: que alguien te presentara una película y, por un momento, tú simplemente te dejaras llevar. Y quién sabe. Quizá descubrieras que te gustaba.

Te explico más aquí

Y si te has quedado con la curiosidad por LND….

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Marcus doesn’t stop. He’s just closed his participation in a group exhibition in Venice and is in the middle of preparing a solo exhibition in Stockholm in June and another group exhibition in Zurich in September. As if that weren’t enough, in September he’s also launching a new photobook.

All of this without leaving his job as a consultant. A balance that, seen from the outside, looks like a marvel, and one he maintains with one very clear condition: “It still has to be fun for me to shoot, it is a side hustle for me and I think I need to have it like that to remain the playfulness and the fun.”

You can follow him on Instagram at @marcuscederberg and on his website minimalphotos.com.

Thank you, Marcus, for reminding us that with less, you can go very far.

Marcus's whole story

Less Is More — Marcus Cederberg · El fotógrafo 1/5

Less Is More — Marcus Cederberg · El proceso creativo 2/5

Less Is More — Marcus Cederberg · La mirada 3/5

Less Is More — Marcus Cederberg · Las influencias 4/5

A veces, la respuesta más honesta a la pregunta "¿quién te inspira?" no es un nombre, sino un silencio. Y en ese silencio, aparece todo.

@cantangorestaurant

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Hungry Eye — Víctor Prieto · El fotógrafo 1/5

Hungry Eye — Víctor Prieto · El proceso creativo 2/5

Hungry Eye — Víctor Prieto · La mirada 3/5

La fotógrafa

Caro Hughes es fotógrafa argentina cuyo camino hacia la imagen pasó primero por el cine. Durante años se especializó en escritura de guiones, y fue de forma paralela como empezó a acercarse a la fotografía; primero la analógica, el laboratorio, la luz roja, el papel sumergiéndose en los químicos. “Es pura magia el momento en que el papel se sumerge en los químicos y aparece una imagen.”

Lo que empezó como curiosidad fue ocupando cada vez más espacio. Cuando se convirtió en madre la fotografía la acompañó en esa etapa, y el cine fue quedando atrás. “Para mí, las imágenes son como películas estáticas. Siempre intento que cada foto cuente algo, transmita emociones, como si fueran fotogramas.”

Una fotógrafa que nació narradora. Y que nunca dejó de serlo.

La semana que viene, Caro nos cuenta cómo construye sus imágenes.

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Es británico, creció en Suiza y ha vivido en Corea del Sur, donde trabajó como profesor. Sin embargo, es en el sudeste asiático donde ha encontrado una fuente inagotable de inspiración. Sus viajes por la región no solo le han permitido conocer lugares fascinantes, sino también a las personas que los habitan.

Hoy seguimos esta serie hablando de su proceso creativo. Y, si te quieres leer la primera entrega, al final de este artículo encontrarás el enlace para conocer mejor su historia y cómo comenzó su trayectoria como fotógrafo.

El proceso creativo

Mi proceso suele ser bastante observacional, especialmente cuando trabajo en pueblos rurales. Rara vez llego con un plan fijo ni empiezo a fotografiar de inmediato. La mayor parte del tiempo la paso deambulando, observando y dejando que la sensación general de un lugar se revele de forma natural. Algunas de las capturas más gratificantes vienen simplemente de caminar por un pueblo y absorberlo todo. Niños chapoteando en caminos embarrados después de la lluvia, animales moviéndose libremente entre las casas, humo elevándose por los tejados de paja, o personas siguiendo tranquilamente sus rutinas cotidianas a mi alrededor.

Por supuesto, en los pueblos más remotos, un extranjero con una cámara rara vez pasa desapercibido. Los ojos se abren, las conversaciones se detienen, y durante un momento me convierto en parte del entretenimiento del día. En muchos lugares, la atención es mutua. Mientras yo me siento atraído por las vidas y culturas que me rodean, las personas suelen estar igual de intrigadas por ese extraño que deambula por su pueblo con una cámara.

Ese interés compartido a menudo se convierte en el inicio de pequeñas interacciones. A veces no lleva a nada más que una sonrisa o un breve intercambio. Otras veces, la gente empieza a seguirme, viendo qué estoy fotografiando y observando en silencio cómo se desarrolla el proceso. Esas pequeñas interacciones a menudo marcan la dirección de mi trabajo y se convierten en el punto de partida para los retratos que vienen después.

La semana que viene, Ollie nos cuenta cómo los retratos impresos cambiaron todo; me encantó.

Borrowed Light — Ollie Pitt · El fotógrafo 1/5

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Imagino que, como yo, cuando sales a hacer una sesión vuelves a casa con un número enorme de fotografías.

Las vuelves a mirar enseguida. Y entonces empiezan las decepciones.

Esta no es lo que viste.
Esta tampoco.
Esta que en el momento te parecía buenísima… ahora ya no tanto.

Y empiezas a descartar.

Desde hace un tiempo yo intento no borrarlas enseguida. O, al menos, no todas.

Porque con el tiempo he aprendido que algunas fotografías necesitan dormir.

Cuando vuelves a ellas días, semanas o incluso meses después, ya no estás mirando con los mismos ojos. Ya no tienes en la cabeza lo que acabas de vivir, la luz que había, el momento, la emoción, todo aquello que intentabas conseguir.

Ahora tienes los ojos más limpios.

Y entonces puede aparecer algo que antes no viste.

Quizá de aquella sesión solo habías salvado una fotografía. Y, tiempo después, vuelves a la carpeta y piensas:

¿Y esta? ¿Por qué la había descartado?

Me pasó con esta foto.

La había eliminado.

Y ahora, sinceramente, no sé por qué. Porque tiene algo que me encanta.

• Esa división en dos: Blanco y negro

• Esas lineas llevándote al personaje

• La niebla que borra lo superfluo

• Solo un color amarillo que te indica el camino

• …

Con esto vuelvo al inicio: Deja dormir las fotos

***

Estación de tren de Orleans, a primera hora de la mañana, con niebla. He eliminado todo aquello todo aquello que llamaba la atención para dejar solo una parte clara y otra oscura, en simetría.

Hasta el próximo post.

Inquadratura

No creo que el talento se herede sin más, pero sí que crecer rodeado de curiosidad, de arte o de una forma diferente de mirar el mundo deja una huella. A veces no es tanto el oficio en sí como el ejemplo: ver a alguien crear, apasionarse por algo o dedicar su vida a aquello que ama.

Eso es precisamente lo que me gustaría ser para mis hijos: un referente creativo. Me da igual el ámbito que elijan. Puede ser la fotografía, la música, la escritura o cualquier otra disciplina. Lo importante es que sepan que crear es una forma de vivir y de expresarse.

En el caso de Marcus, su padre era fotógrafo y periodista. Es imposible saber hasta qué punto eso influyó en su trayectoria, pero resulta difícil pensar que crecer en un entorno así no dejara alguna huella en la manera en que hoy observa y cuenta el mundo.

Small, medium, large

Influencias

La influencia más profunda de Marcus viene viene de casa. Su padre, periodista y fotógrafo, le enseñó desde pequeño que el mundo se puede contar a través de un objetivo. Esa lección no se olvida.

Pero Marcus también tiene los ojos muy abiertos a lo que ocurre a su alrededor, especialmente en Instagram, donde sigue a fotógrafos que le inspiran y le empujan a seguir explorando. Nombres como @demas, @thismintymoment, @etna_11 y @paulbrouns cada uno con una mirada propia que merece la pena descubrir.

La inspiración, dice, llega de muchos sitios: de la vida cotidiana, del arte, de otros fotógrafos. Pero siempre filtrada por ese mismo principio que gobierna todo su trabajo , quedarse solo con lo que de verdad importa.

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Less Is More — Marcus Cederberg · El fotógrafo 1/5

Less Is More — Marcus Cederberg · El proceso creativo 2/5

Less Is More — Marcus Cederberg · La mirada 3/5

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Os dejo con sus propias palabras.

La mirada

Trabajar con un restaurante tiene bastante más detrás de lo que parece. No es solo llegar, sacar platos y hacer fotos. Hay que entender qué tipo de lugar es, qué quiere transmitir, a qué público se dirige y qué papel van a tener esas imágenes.

No se fotografía igual un restaurante informal que uno más gastronómico, y tampoco es lo mismo hacer fotos para una carta que para redes, prensa o imagen de marca.

Hay cosas que no se pueden pasar por alto. La luz, el menaje, el fondo, el punto en el que llega el plato, el ritmo de cocina, el orden de salida… Todo influye.

Muchas veces la diferencia entre una foto que simplemente está bien y una que realmente funciona está en detalles muy pequeños.

Antes de una sesión me gusta tener claras varias cosas: qué platos se van a fotografiar, cuáles son los más importantes, en qué orden conviene sacarlos y qué espacios del restaurante pueden funcionar mejor. Busco inspiración y cuanto mejor se prepara todo, mejor fluye luego la sesión.

Con los clientes de este sector creo que es importante hablar claro desde el principio. Muchas veces saben que necesitan fotos, pero no siempre tienen claro cuáles ni con qué objetivo. Ahí también forma parte de mi trabajo orientar, ordenar un poco la sesión y ayudarles a entender qué enseña mejor su propuesta.

Una de las cosas que más he aprendido con el tiempo es que una buena fotografía gastronómica no depende solo de que la comida tenga buena pinta. Depende de que todo acompañe: la luz, el contexto, el momento y la intención. Cuando eso encaja, la fotografía deja de ser solo una imagen bonita y se convierte en una herramienta real para comunicar.

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Hungry Eye — Víctor Prieto · El fotógrafo 1/5

Hungry Eye — Víctor Prieto · El proceso creativo 2/5

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And every day I’m more convinced that post-processing is a very, very important part of photography.

It’s been an honor to have her here.

Yona doesn’t seek the spotlight. Her Instagram, like her, is discreet and consistent — an archive of warm interiors, golden light, and moments almost no one else would notice, if it weren’t for her. It’s worth visiting slowly, image by image.

You can find her on Instagram at @yona.elig.

Thank you, Yona, for reminding us that observing well is already a form of art.

The Quiet Observer — Yona Elig · The photographerafa 1/5

The Quiet Observer — Yona Elig · The creative processes 2/5

The Quiet Observer — Yona Elig · The gaze 3/5

The Quiet Observer — Yona Elig · Influences4/5

Solo quiero decir una cosa antes de que él tome el relevo: cuando vi sus fotos por primera vez me detuve. Esperaba el Asia vibrante, colorida, saturada que uno lleva en la cabeza (o por lo menos yo). Y encontré algo completamente distinto, una luz fría, envolvente, casi británica. Niebla sobre las colinas, interiores oscuros, retratos que pesan. Una mirada del norte posada sobre el sudeste asiático. A lo mejor mi idea de Asia era equivocada. O a lo mejor Ollie simplemente lleva su luz con él a donde va.

El fotógrafo

Soy un fotógrafo británico que vive actualmente en Corea del Sur, y gran parte de mi trabajo ha crecido a partir de un interés por la cultura y la vida cotidiana en Asia. Para mí, la fotografía se convirtió en una forma diferente de moverme por el mundo. Lo que comenzó como simple curiosidad se transformó en el hábito de encontrarme en lugares que nunca esperaba alcanzar, atraído hacia entornos y formas de vida completamente ajenos a mí.

Antes de darme cuenta, me vi atraído hacia comunidades rurales del sudeste asiático, especialmente entre grupos étnicos minoritarios de las montañas como los Hmong, los Khmu y los Akha. Muchos de estos pueblos se encuentran en paisajes montañosos remotos, a los que se llega tras largos trayectos por senderos estrechos. Fue en esos lugares donde mi fotografía empezó a encontrar un sentido y una dirección más claros.

Aunque ya conocía parte del lado técnico del trabajo con cámaras, eso nunca fue lo que más me interesó. Lo que importaba era adónde podía llevarme la fotografía, las personas que me permitía conocer y las historias que podían contarse dentro de un encuadre. Siempre me ha interesado la cultura, pero fueron las personas de estas comunidades , sus rutinas, tradiciones y formas de vida , las que de verdad se quedaron conmigo.

La semana que viene, Ollie nos cuenta cómo trabaja dentro de los pueblos, y por qué la mejor fotografía a veces empieza por no fotografiar nada.

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Ahí me dio algo más de “canguele”. ¿Yo? ¿la fotógrafa de un libro? el caso es que con los años voy siendo mas decidida. Claro que como vengo de lejos, aún tengo mucho recorrido. Bueno a lo que vamos. Acepté!

Era febrero de 2020. El mundo aún no sabía lo que se le venía encima.

La idea original era sencilla (o eso creíamos): ir un fin de semana largo a su casa de campo, cocinar todas las recetas y fotografiarlas in situ. Un plan bonito, una preciosidad y cerca de Paris, con lo que para mi , perfecto. Tendríais que ver la casa… En fin recetas, campo, fotos, todo en un poco más que un fin de semana

Y entonces llegó el COVID.

Plan A: cancelado. Plan B: sobre la marcha.

Lo que iba a ser un fin de semana intensivo se convirtió en algo diferente. Cada semana, me envíaba una o dos recetas. Yo las cocinaba primero en mi cocina (esto le servia para saber, ¿Si eran realmente fáciles?, y luego las fotografiaba.

Habíamos definido el estilo de fotos, la línea visual del libro, y entre las dos, con un pandemia de por medio, lo sacamos adelante.

Solo hice las fotos, pero me siento parte de esto. Ya tengo el árbol plantado, los hijos y el libro.

No escribí las recetas. Pero cada imagen cuenta una historia: la de un libro que nació en un momento raro y quizás quien sabe, salió bien precisamente por eso. Por ir despacio. Por tener tiempo de pensar qué queríamos decir con cada foto.

Por eso “Yo he venido hoy aquí a hablar de mi libro” (si tienes ya unos años sabrás de que hablo sino busca la frase poniendo también Umbral ;) )

Es una experiencia de la que me siento orgullosa, supe decir que si a algo que pensé que me venía grande, que no era la adecuada… Pero superé ese síndrome del impostor y … aquí esta el libro

Walking in Lisboa

The gaze

Marcus tiene una obsesión declarada por la arquitectura. No la arquitectura monumental ni la grandiosa, sino la cotidiana, la que se cruza por la calle y que a veces no nos damos ni cuenta que existe. Una pared roja con balcones blancos de tamaños distintos. Una fachada amarilla con una figura solitaria. Un arco rosa sobre un suelo que desaparece.

Y las ventanas. Siempre las ventanas. “Creo que las ventanas son muy interesantes , pueden contar algo sobre las personas que viven ahí, pero también sobre el edificio e incluso sobre el arquitecto.” Son para él portales narrativos: un elemento mínimo que abre un mundo entero si uno se detiene a mirar.

Sus imágenes funcionan así , con un solo elemento que lo cuenta todo. Un color, una línea, una sombra. Nada más. Y sin embargo hay una historia completa .

Con el tiempo su estilo ha evolucionado, explorando temas como las ventanas, las nubes o las perspectivas de dron, siempre con el mismo principio: quitar hasta que solo quede lo que importa.

La semana que viene, Marcus nos habla de sus influencias , y hay nombres en Instagram que merece la pena descubrir.

Sus post anteriores:

Less Is More — Marcus Cederberg · El fotógrafo 1/5

Less Is More — Marcus Cederberg · El proceso creativo 2/5

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