Creo que ha llegado el momento de hacer una pequeña pausa.
Tu ya me entiendes. Verano, piscina, libros, fotos, terraceo…. ummmm

⛱️Durante unas semanas la newsletter descansará un poco, aunque en realidad no del todo.

Como te digo en todas esas cositas que se hacen en verano también seguiré haciendo fotos, observando, guardando ideas, pensando historias que contaros y dejándome sorprender un poco más por todo aquello que durante el resto del año pasa demasiado rápido.

Y espero que vosotros hagáis lo mismo.

Ojalá aprovechéis este tiempo para romper la rutina aunque sea un poco o un mucho. Aquí libertad, faltaria « plus » . Olvidate del reloj. Aburrete un rato. Lee. Volvamos a esas vacaciones de cuando eramos niños. Ya se que tenemos menos meses, pero la idea es disfrutarlas igual.

Quizá por eso septiembre tenía algo especial.
La vuelta al cole no era solo volver. Era reencontrarse con amigos, estrenar cuadernos, tener ganas de aprender cosas nuevas, descubrir profesores, sentir esa pequeña emoción de empezar algo distinto.

Y sinceramente, eso es exactamente lo que quiero para esta nueva temporada de la newsletter. (Bueno nueva temporada, ni que estuviera en Neflix)

Porque además… os voy a dejar un pequeño spoiler 📸:
en septiembre llega una sorpresa. Un pequeño gran cambio en este proyecto que llevo meses imaginando y preparando con muchísima ilusión. Y espero de verdad que os guste tanto como a mí me esta gustando construirlo poco a poco.

Gracias por estar aquí, por leer, por acompañarme y por formar parte de este grupo.

Nos vemos a finales de agosto.
Y prometo volver con muchas fotos, nuevas ideas y ganas de seguir compartiendo todo esto con vosotros. ✨✨

Después de la oscuridad.

Después de las luminosas.

Llegamos al último post de esta pequeña serie de fotografía culinaria.

Yo lo llamo “pop”, aunque no es un nombre académico. Es simplemente la forma en la que identifico un tipo de fotografía. Algo más cercano a la fotografía publicitaria clásica: colores saturados, contraste alto, composiciones limpias o muy gráficas, luz dura, sombras que dibujan formas, y un cierto uso casi “diseñado” del alimento como objeto.

Si la fotografía culinaria oscura se acerca a lo íntimo, y la luminosa intenta capturar la frescura y la naturalidad, este último enfoque se mueve en otro territorio: el de la construcción.

Una luz fuerte, unas sombras que parte del diseño.

Los colores también cambian de papel. Ya no acompañan. Ya no matizan.

Aquí los colores mandan.

Rojos más rojos. Verdes más verdes. Amarillos como yo digo « histéricos ».

El objetivo no es la fidelidad absoluta, sino el impacto visual.

La imagen tiene que detener el ojo.

Como un cartel. Como un anuncio. La composición también se vuelve más gráfica.

Figuras geométricas. Superficies limpias.

A veces el plato deja de ser “un plato” y se convierte en una forma: un círculo perfecto, una línea de salsa, un bloque de color.

Se piensa casi como diseño.

Es una fotografía que no busca decir: “esto es exactamente así en la vida real”. Sino busca decir: “mira esto”.

Mientras exploraba estos tres enfoques ,oscuro, luminoso y pop, me di cuenta de algo sencillo: no se trata de encontrar el estilo correcto, sino el adecuado para lo que quieres contar.

También es cierto que hay muchos más caminos dentro de la fotografía culinaria.

Bebidas. Botellas. Restaurantes. Cocina en acción. Editorial gastronómico. Fotografía de producto. Como en todo en la vida, cuanto más te adentras, más te das cuenta de todo lo que hay y más se te abre el camino.

Pues lo dicho con este último post, cierro esta pequeña serie.

Oscuro.

Luminoso.

Pop.

Tres formas de mirar lo mismo.

Tres formas de construir una imagen.

Y una única constante: la luz como lenguaje.

Hasta el próximo post.

Inquadratura

Siempre que un fotógrafo me hace parar a mirar su trabajo, hay algo que se repite.

No es solo que las fotos sean buenas. (que también).Es otra cosa.

Hay una coherencia. Un hilo conductor. Una firma.

A veces es la luz. A veces el color. A veces el tipo de encuadre o los temas que elige. Pero sobre todo, hay una sensación: esto es suyo.

Y sin ver el nombre, ya lo sabes.

Yo también quiero encontrar “mi estilo”.

Intenté hacerlo incluso de forma bastante consciente en fotografía culinaria. Solo centrarme en un tema, pero aun así y todo : exploré la oscuridad, la luz, lo pop, lo mínimo, lo barroco, lo limpio, lo editorial, lo más publicitario…

Y el resultado fue siempre el mismo: me gustaban todos.

Y ahí empezó el problema.

Porque si todo te interesa, ¿qué eliges?

A veces pienso que es una cuestión de carácter.

Soy Libra, sí, pero más allá de la astrología (que tampoco es que me lo tome demasiado en serio), hay algo en mí que reconoce esa dificultad para decidirse.

Me atrae una cosa… y su contraria.

Me gusta la calma, pero también el caos.

La estructura, pero también improvisar.

Lo íntimo, pero también lo espectacular.

Y si miro más allá de la fotografía, la historia se repite.

Estudié Derecho. Y soy creativa.

Me gusta la seguridad de ser empleada, pero a veces me gustaría ser independiente.

Soy piloto de dron, pero también he sido juez de paz en un pueblo.

Me gusta salir de noche, pero también disfrutar el día .

y así muchas más cosas.

Y entonces aparece la fotografía.O mejor dicho: el intento de tener un estilo en fotografía.

Porque aquí la dispersión también se nota.

Me interesa todo.

La comida, las personas, las calles, la luz dura, la luz suave, lo mínimo, lo máximo, lo editorial, lo íntimo.

Y claro, si todo te interesa… todo entra.

Pero hay fotógrafos que han elegido. Un tema. Y lo han explorado hasta el fondo.

No necesariamente porque no les interesen otras cosas, sino porque han decidido focalizarse.

Yo todavía no he llegado ahí y no se si llegaré, pero como el otro día escuché al fotografo Steve McCurry: “Diviertete con la fotografía, que ganarse la vida con ella es más complicado”; Ahí estoy yo, no me gano la vida con ello así que vamos a divertirnos.

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Hace bastante tiempo estabamos en la casa de una amiga con su hija bebé, (hoy ha terminado la carrera) y vi una cosa que se me quedó grabada, y por eso te lo cuento hoy ;)

Estaba sentada sobre una alfombra de actividades. Al principio tenía unos pocos juguetes a su alrededor. Los observaba, los tocaba, elegía uno, luego otro.

Entonces, con la mejor de las intenciones, los adultos pusimos más cosas, regalines. Más juguetes. Más posibilidades.

Y ocurrió algo curioso.

La niña miró a su alrededor. Giró la cabeza de un lado a otro. Había tanto que ver que no sabía por dónde empezar. Se quedó inmóvil unos segundos y, de repente, rompió a llorar.

No era falta de opciones.

“Se le amontonó la belleza” (es una expresion que utilizamos en mi familia, jijij)

Últimamente siento que me ocurre algo parecido con mis fotografías.

Sigo haciendo fotos. En el mercado, en mi estación (Que ya conocéis; si no, aquí podéis verla) , durante un viaje, en una terraza cualquiera mientras espero un café.

Pero revelar... eso es otra historia.

Las imágenes se acumulan en la memoria externa, en tarjetas y carpetas con nombres cada vez menos imaginativos: “selección”, “selección final”, “para revisar”.

Y cuanto más crece el archivo, más difícil resulta sentarme a mirar.

Hay días en los que abro una carpeta con cientos de imágenes y siento exactamente lo que sintió aquella niña sobre la alfombra. Demasiadas posibilidades. Demasiadas decisiones. Y mientras nada que enseñar por aquí.

¿Cuál es realmente buena? o ¿medianamente buena?

A veces pienso que entre esas miles de imágenes hay fotografías que merecen ser vistas. Fotografías que podrían contar una historia, formar parte de una serie o simplemente recordarme lo que pasó el día que las hice.

Y, sin embargo, estan sepultadas. No porque sean malas (que también las hay, como las meigas)

Sino porque están enterradas bajo otras mil.

Mi plan: Elegir una imagen cada día.

Aceptar que voy con retraso, que un archivo fotográfico no se conquista de una sola vez, igual que tengo mil libros por leer (pero ya llega el verano).

Mientras escribo esto, sigo teniendo más fotografías pendientes de revelar de las que me gustaría admitir.

Pero espero que mañana abra una carpeta y elija solo una.

Una sola.

Como esta que hoy te traigo.

***

La fotografía de hoy es un recorte; una parte de una más grande. A veces un detalle salva una foto. Aqui la foto entera no dice nada pero esa boya roja…. Hubiese podido ajustar mas con mi objetivo pero cuando hice la foto no lo pensé… ahora la he recortado. La gaviota viene de regalo :)

Hasta el próximo post.

Inquadratura

Como te prometí en el post anterior, seguimos con la serie. (aquí el primero y aqui el segundo)

Hoy: la fotografía luminosa.
La que ahora ves por todas partes.La que está de moda.

Luz más dura, sombras más marcadas.
Y, no sé muy bien por qué, parece más fácil.

Pero, como todo, no lo es tanto. Tiene sus cosas.

Yo también sucumbí a este tipo de fotografía.

A mí esta etapa me gustó muchísimo.

Aquí ya empecé a jugar más.

Y como donde vivo lo del sol a veces es un unicornio, empecé a mezclar luz natural y artificial.

A probar sin tanto miedo.

Y, sobre todo, a entender algo clave:
cómo usar el flash… y que no se note.

Que parezca que todo viene de una ventana o que estás al aire libre. Que la luz sea limpia, pero creíble.

Ese fue el reto.

Para conseguir esa luz:

Flash desnudo.
Sin cacerola. Sin modificadores.

Cuanto más pequeño y directo es el punto de luz,más dura será la sombra.

En alto, para sombras más cortas y controladas. Simulando un medio día o mañana.
Más bajo, si quieres sombras más largas. Como si estuvieses en un atardecer.

Y ahí empiezas a jugar.
Con las líneas que dibuja la sombra.
Más duras. Más suaves.

Mirando atrás, esta etapa fue clave.

Porque ya no solo entendía la luz…
empezaba a jugar con ella.

De todas estas fotos sabrias decirme cual o cuales están hechas con flash?

Y si quieres ver más @monicamolina.photos

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Esta foto no le ha gustado a casi nadie a quien se la he enseñado, pero a mí sí. Y no es poco.

De esas fotos que te dicen: ah si, bah mona… ah un árbol, pues a mi me parece otra cosa…

Pero aun así yo te la enseño por aquí (que no es para que me digas, buala ! pues a mi me encanta !! pero si quieres hacerlo no te cortes, aquí sobre todo libertad, faltaria plus, jiji)

Como te decía a mi si, a mi me gusta y es por dos razones :

La primera es porque a veces una imagen « te captura » y « necesitas » hacer esa foto. Este fue el caso. Aunque a veces no siempre sale lo que ves en tu cabeza. No consigues reflejar eso que tu veias a la hora de hacer la foto.

En vacaciones pasamos por esa carretera mil veces, y es un trocito de árboles verdes entre un pinar, como un pequeño oasis. Me llamaba la atención cada vez que pasábamos.

Hay algo difícil de explicar: a veces simplemente miras el paisaje, y otras veces lo observas de verdad. Estás en modo cámara aunque no la lleves. Y para mí, ahí, siempre hay aprendizaje. Esta es la primera razón.

La segunda es porque ultimamente estoy con la teoria del color (bueeeeno acabo de empezar) y quería ver como funcionaba una foto monocromatica. Más adelante me gustaría seguir con colores complementarios, tríadas y todo eso.

Pero dadme tiempo, literal, pasadme vuestras horas vacías que a mi me hacen falta, para todo lo que quiero hacer/aprender.

Y oye te había dicho dos pero que van a ser 3 las razones, no dirás, doy más de lo que digo… estoy que me salgo!

Aunque la imagen está bastante “compacta”, en ella intenté poner en práctica algo que quería trabajar: la separación de planos para dar profundidad. Dejé el primer plano con más claridad y nitidez, y fui reduciendo contraste y claridad hacia el fondo.

También jugué con el color: más vivo en primer plano y más apagado en el segundo, como ocurre en la realidad, donde la distancia va desaturando lo que vemos.

No es una foto que vaya a pasar a la posteridad, seamos sinceros. Pero sí es una foto que me ha hecho aprender. Y con eso, ya vale.

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Hubo un tiempo en el que tener mucho culo no era bonito. (por lo menos donde yo crecí)
Luego llegaron las Kardashian y dijeron: ¿¿perdón???

De repente, lo que antes se escondía, ahora se celebra.
Más es más. Y mejor en primer plano.

Y tu dirás ¿qué tiene esto que ver con la fotografía?
Espera, que ya llego

ahora viene Instagram.

Durante décadas, la fotografía “seria” era horizontal.
Como los cuadros.
Como el cine.
El mundo se miraba en apaisado.
El vertical quedaba casi siempre para retratos, carteles… o cosas muy puntuales.
No porque no existiera, sino porque no mandaba..

Pero llegaron las redes cogieron todo eso, lo giró 90 grados y dijo:
« Chavales, ahora miramos así. »

Y aquí estoy yo.
Después de años de fotografía culinaria pensada para Instagram, intentando hacer una foto horizontal y…
zas.
Vertical otra vez.

Como un reflejo.
Como una costumbre corporal de mi mano y la cámara.

Moraleja:
Instagram ha hecho con nuestros encuadres lo mismo que las Kardashian con los cánones de belleza.

No digo que esté mal.
Pero igual, solo igual…
un día deberíamos volver a girar la cámara. Por lo menos yo.

Hasta el próximo post.
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Seguimos con la serie.

Hoy: la fotografía en oscuro.
La que estuvo muy de moda hace unos años.

Fondos negros, sombras marcadas, contraste fuerte… y ese aire un poco retro.

Yo caí de lleno ahí.

Y además tuve suerte.

Tenía (y tengo) una ventana al norte bastante grande.
Y eso, en fotografía culinaria, es un lujo.

Porque esa luz es constante, suave, no cambia cada cinco minutos… y te obliga a entender lo que estás haciendo.

Con esa ventana aprendí casi todo.

A colocar el plato.
A moverlo unos centímetros y que todo cambie.
A tapar la luz en vez de buscar más.
A crear sombras para dar profundidad.

Porque en este tipo de fotografía no se trata de iluminar más, sino de quitar luz.

Y eso al principio cuesta.

También entendí el ritmo.

Es una fotografía lenta.
No hay prisa.
Nada se mueve.
Todo depende de ti.

Puedes pasarte 20 minutos ajustando un vaso… y tiene sentido.

Ahora las tendencias van hacia algo más luminoso, más limpio.

Pero volver a estas fotos me recuerda mucho a esa etapa de aprendizaje.
De probar, fallar, repetir.

Y de entender, poco a poco, cómo funciona la luz de verdad.

En el siguiente post dedicado a la foto culinaria, nos vamos al otro extremo.

Más luz. Más color. Más aire.

Hasta el próximo post.
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Ya os enseñé alguna vez fotos de larga exposición aquí y aquí. Hoy vuelvo con otra.
Pero esta vez no es solo para enseñarla: es para contaros cómo la hago.

Aviso importante: no es una explicación técnica.
No porque quiera hacerlo ameno (que también), sino porque no tengo ni pajolera idea de explicarlo de forma técnica. Podría copiar a alguien en internet, sí… pero oye, esto me funciona.

Así que te cuento mi método.

Me compré un filtro ND de 10 pasos (densidad neutra, para que suene más serio). Básicamente, es un filtro que bloquea la luz. Los hay de menos pasos, pero yo fui a lo grande.

Luego viene la teoría, la correcta: enfocar, calcular la luz, cálculo de pasos, compensar cuando ya no ves nada porque el filtro lo oscurece todo…
Yo eso lo estudié en su día.

¿Lo aplico así? No exactamente.

Yo hago esto:

Primero: trípode. Imprescindible.
(O en su defecto, cualquier sitio donde la cámara no se mueva ni un milímetro).

Segundo: ajusto parámetros.
ISO dependiendo si hay mucha o poca luz. As usual
Apertura de diafragma pequeña, suelo quedarme por el F8, porque quiero que todo esté nítido.
Y la velocidad… la que toque para que la exposición esté equilibrada (de momento).

Enfoco en automático.

Y aquí viene un paso clave:
una vez enfocado, quito el autofocus y paso a manual.
Así la cámara no se vuelve loca intentando reenfocar cuando ya no ve nada.

Coloco el filtro.

Y ahora viene lo realmente CUTRE.

En su día aprendí lo de calcular los pasos… pero entre que se me olvidó y que soy más de probar que de calcular, desarrollé mi propio sistema:

cada paso = tres giros de la ruedita de velocidad (hacia velocidades más lentas).

Así que cuento:
uno, dos, tres → un paso
uno, dos, tres → otro paso…

Como mi filtro es de 10 pasos… hago 30 “clics” de ruedita.

Sí. Tal cual.

¿Funciona siempre? Sorprendentemente, bastante.

Si hay poca luz, y la velocidad debería ir más allá de 30segundos, vas a tener que pasar a modo Bulb.

Que, explicado rápido, es un modo en el que la cámara mantiene el obturador abierto todo el tiempo que tú quieras: empieza cuando pulsas y termina cuando sueltas. Es decir, tú decides cuánto dura la foto. (hay cámaras que lo hacen solas)

Y si no te quieres complicar, siempre puedes subir un poco la ISO y listo.

No será el método más ortodoxo…
pero es rápido, práctico y, sobre todo, hace que salgas a hacer fotos en lugar de quedarte calculando.

Avisé que era cutre, no acepto reclamaciones.

Hasta el próximo post.
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Llevo ya suficiente tiempo en Orléans como para haber conocido dos estaciones de tren.

La antigua era cuadrada y oscura. Sobre todo antigua.
Esta, en cambio, es todo lo contrario: ondeante, luminosa.

Digo ondeante porque su techo dibuja curvas suaves de metal, con franjas transparentes por donde se cuela la luz.
Y el frontal, que es completamente acristalado, hace el resto.

Cuando la luz decide aparecer, es un patio de juegos para la fotografia. Tanto por la luz como por las historias que puedes contar.

Ahora vuelvo a menudo. Como un pequeño ritual antes de volver a casa. Pero solo cuando hace sol. Mis momento favoritos, medio día haciendo franjas de luz y sombras o la del atardecer.

Haciendo esta foto confirmé tres cosas:

- Si conoces la luz, vuelves.
Sé que al atardecer, cuando el sol entra oblicuo, lateral, dibuja líneas limpias.
Así que muchas veces, cuando salgo a fotografiar, acabo pasando por aquí.

- La luz no solo ilumina, cuenta.
Recorta, separa, esconde.
Decide qué se queda y qué desaparece.
Y de pronto, alguien esperando ya no es solo alguien esperando: hay una historia.

- La repetición da ritmo.
Los módulos se suceden, uno tras otro, creando una cadencia visual.
Ordenan el espacio, guían la mirada.

⁂

Como puedes ver, he eliminado los elementos que distraían, ya fuera por el color, ese triángulo amarillo al fondo, o por su presencia, como la papelera.

También he trabajado las sombras para ganar profundidad, dejando visible solo aquello que realmente quería que estuviera en la imagen.

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Cuando hice COU (sí, COU, es decir, el siglo pasado ) al final de curso nos trajeron unos libritos para orientarnos sobre “nuestro futuro”. (Recordemos: no existía Internet, Google era ciencia ficción ).

Las opciones eran… previsibles: derecho, medicina, empresariales, económicas, veterinaria… Todo muy correcto, muy encarrilado, muy de “persona seria y con futuro”. Pero también había alguna opción que brillaba un poco más. Algo menos convencional.

Piloto de líneas comerciales.

Recuerdo perfectamente el momento en que levanté la mano para pedir ese folleto. Y recuerdo aún mejor las caras. La del profesor. La de algunos compañeros.

- ¿Es para ti? ¿O es para algún amigO?

Ese “amigO”, así, con énfasis innecesario, se me quedó grabado. Me molestó. Bastante. Lo suficiente como para que, décadas después, siga viendo la escena con nitidez.

Al final no fui piloto. Por muchas razones. Pero no porque no pudiera serlo.

Y sin embargo, hay deseos que no caducan. Se quedan ahí, agazapados, esperando su momento.

Años más tarde aparecieron los drones.

Y claro.

Ahí estaba mi puerta.

No es lo mismo, lo sé. Pero hay algo en despegar, en mirar desde arriba, en entender el espacio de otra manera… que conecta directamente con aquella versión mía que levantó la mano en clase.

Además, está la fotografía. Y ahí ya todo encaja un poco más.

Eso sí: todavía no le tengo pillado del todo el tranquillo. Volar bien requiere horas, muchas horas. Precisión, calma, práctica. No es tan fácil como parece. O yo no tengo facilidad ! que todo puede ser.

Pero oye…

Hice el examen. (En las dependencias del aeropuerto de Orly en París)
Lo pasé.

Así que aquí estamos.

Una piloto.

Con unos cuantos años más, sí.
Pero también con más perspectiva.

O, quizá, con mejor encuadre.

⁂

La foto que te enseño hoy es una captura de un vídeo, y si te fijas bien en la imagen hay una persona; ella nos da la escala. Si no la ves, parece una ola sin más. Recuerdo que, cuando vi el vídeo por primera vez, creí que había volado más bajo, hasta que al final vi a la persona.

Recuerda lo que te comenté en este post

Lo hice desde Lightroom. Cuando estás en la Biblioteca viendo el vídeo, puedes hacer capturas.

Vídeo hecho en Lacaneau, Nouvelle Aquitaine, y este es el Océano Atlántico

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Siempre me pasa lo mismo: abro Instagram, veo una foto espectacular de Islandia, de Tokio o de algún lugar remoto con nombres que no sé pronunciar… y durante un segundo pienso: “Claro, así también hago fotos chulas yo.” (aunque ya veríamos)

Pero luego vuelvo a la tierra. A mi vida real.
A los horarios de 8 a 17.
A mis hijos, que aunque ya son más mayores, siguen necesitando que esté.
A la logística eterna del día a día.

Lo esencial: no puedo irme.
No todavía.
Y no pasa nada.

Porque hay algo que a veces olvidamos: hacer buenas fotos no depende del lugar, sino de la mirada.

Lo entendí un día cualquiera, que sali ha dar un paseo en bicicleta con mi hijo. Ya estabamos de vuelta con el sol de frente. Y ahí vi la silueta recta del puente, la sinuosa del canal, y varias personas, cada una de una forma. Era la luz, la silueta, el reflejo lo que me daba todo.

Al otro lado del puente con el sol en la espalda la foto « desaparecía »

La foto no estaba en Islandia.
La foto estaba aquí.
Lo que faltaba era verla.

A veces pensamos que necesitamos viajar lejos para encontrar escenas nuevas. Y sí, claro, viajar inspira, te emociona, te da fotos maravillosas. Yo también sueño con que dentro de poco pueda hacer escapadas más largas, o perderme unos días con la cámara. Pero mientras llega ese momento, tengo algo incluso más valioso: entrenar la mirada en lo cotidiano.

Porque si aprendes a ver magia en tu barrio, cuando viajes… vas a volar.

La calle de siempre te obliga a buscar lo que nunca miras:
la luz que se cuela entre los árboles del parque,
el reflejo en el escaparate de la frutería,
los colores desordenados de la calle,
la coreografía improvisada de la gente al cruzar un semáforo.

Todo está ahí.
Todos los días.

No necesitas subirte a un avión para hacer mejores fotos.
Sólo requiere salir a mirar.

⁂

En la edición llevé la imagen hacia tonos mucho más dorados, en sintonía con lo que sentí aquella tarde.
A veces, cuando miro una de mis fotos, recuerdo una sensación que no aparece en la imagen. Y es ahí donde entra la edición: en ese intento de acercarme a lo que quedó fuera.
Aquí buscaba esa calidez de final de día, la de una primavera que todavía no termina de instalarse.

Canal del Loira a su paso por Orléans

Hasta el próximo post.
Inquadratura

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Hay algo que todavía no os he enseñado mucho por aquí… y ya va siendo hora.

La fotografía culinaria.

Sí, sí. Todo este tiempo hablando de calle, de mirar, de perderse… y resulta que durante años he estado en casa… fotografiando pan, cafés, platos…😅

La fotografía culinaria es curiosa, porque desde fuera parece una sola cosa, pero en realidad tiene muchos mundos dentro.

• Está la fotografía de producto, la más pulida, la que casi brilla sola (o la hacen brillar).

• Está la de restaurantes, más rápida, más viva, con platos impecables.

• Está la más intimista, tipo still life, donde todo es más lento, como si estuvieras en el norte de Europa o en la campiña inglesa… aunque en realidad estés en Alpedrete, con esa luz de norte, suave que lo transforma todo.

• Está la fotografía de bebida, que tiene su propio lenguaje: transparencias, reflejos, hielo, vapor… casi más técnica de lo que parece. Y es complicada.

• Oscuras vs luminosas

• La más editorial, la que cuenta historias….

Como ves hay subgrupos.

Yo no las he hecho todas, pero sí he pasado por varias: bastante intimista, trabajos para revista, algunas más oscuras, algo de producto, y ultimamente había llegado a las luminosas.

Y ¿como llegué a este mundo ?, quizas tengo relacion con un chef, mi familia tiene un restaurante de renombre, la cocina ha sido mi pasión desde que me puse de pie por primera vez… « pos » no, mucho mas prosaico : Tenía hijos en Orléans.

Te explico, yo queria hacer algo creativo, mis hijos eran pequeños y no tenía mucho tiempo para salir, y en Orléans hace un tiempo…, como decirlo, lluvioso, malo.

Así que un día vi una foto culinaria y me dije : pues esto puedo hacer.

Con los años me formé, aprendí, trabajé, publiqué… y sin darme cuenta, construí algo de lo que estoy bastante orgullosa.

Hoy ya no hago tanta fotografía culinaria como antes.
Pero sigue siendo un lugar al que vuelvo de vez en cuando

Y quizá por eso… ahora me apetece enseñártelo.

Voy a hacer una pequeña serie de posts (todavía no sé cuántos) para enseñarte estos mundos dentro de la fotografía culinaria.

Este es el primero.

Y si quieres ver más @monicamolina.photos

La primera vez que vine a París fue con amigos. Era el puente de la Inmaculada y hacía un frío que pela. Recuerdo las manos congeladas, las risas, esa sensación de estar viendo algo por primera vez. Ese París se me quedó grabado.

Y digo ese París porque ahora es otro.

Ya no es el de los primeros viajes, el de descubrirlo todo como si fuera nuevo. Ahora estoy a una hora en tren. Y eso le quita algo de emoción.

Pero París sigue siendo París, claro. Y siempre encuentra la manera de enseñarte algo, aunque tú creas que ya lo conoces.

Fotográficamente, además, es un regalo. En cada esquina puede pasar algo. Así que sí, voy con la cámara en la mano (lo sé, soy pesada, pero es que es verdad).

Uno de mis sitios favoritos para mirar es el metro. Aunque hay que estar con mil ojos, para no perderme (tema importante, lo abordaremos otro día), no perder a mis hijos (más importante aún), y entre todo eso, cazar luces, gestos, escenas.

Como esta.

Dos vagones abiertos, una pausa en medio. A un lado y a otro, el bullicio: gente apretada, movimiento, ruido. Y en el centro, una persona sola, sentada, tranquila. Como si estuviera en otro lugar.

Dos mundos separados por algo muy simple: un encuadre.

Porque sí, hoy va de eso.

“Inquadratura” no es solo un nombre bonito. Es casi una forma de mirar. Encuadrar es elegir. Es decidir qué entra y qué dejas fuera. Es poner un poco de orden en medio del caos. O al menos intentarlo.

Aquí el encuadre hace todo el trabajo:
dos planos,
dos ritmos,
dos maneras de estar.

Y luego está el blanco y negro.

Quité el color porque no hacía falta. A veces suma, otras veces molesta. Aquí quería quedarme con lo esencial: formas, contraste, ese pequeño silencio en medio del ruido. Quitar para ver mejor.

⁂

Foto antes de ser editada. Arreglé un poco el encuadre para que la foto quedara más equilibrada. La pasé a blanco y negro para que fuera la composición la que contara la historia. Y, sí, subí un poco las luces y el contraste, nada más.

Hasta el próximo post.
Inquadratura

Cuando era pequeña imaginaba que, si saltaba dentro de un charco, podía entrar en un mundo paralelo.

Algo así como Alicia en el País de las Maravillas.
Me encantaba imaginar qué podría encontrar al otro lado.

Años después, con una cámara en la mano, sigo buscando charcos.
No para saltar dentro, sino para mirar dentro.

Los charcos te dan otra versión del mundo.
Una que no está a la altura de los ojos.
Así que agáchate.
Y pon la cámara al ras del suelo.

Un reflejo convierte una escena normal en otra cosa.
Añade profundidad, a veces misterio, y siempre una segunda lectura.

Y no hablo solo de charcos.
Cristales, escaparates, ventanas, espejos, superficies metálicas…
Los reflejos son un regalo en fotografía.
Te permiten contar dos historias en una sola imagen.
A veces, el reflejo es más interesante que lo que refleja.

Y ahora te cuento un secreto:
si no hay charcos… los invento.
Sí.
Una botella de agua, un poco de suelo, y ya lo tengo.
(Aunque viviendo en Orléans no lo necesito mucho, aquí no será por agua.)

Porque sigo creyendo, muy en el fondo, que los charcos son puertas.
Algunas solo se abren si te agachas.

⁂

Tomé esta foto frente a la Cathédrale Sainte-Croix d'Orléans. Tenía claro lo que buscaba: el reflejo. Esperé a que alguien atravesara la escena y, cuando apareció esta figura, su silueta dio sentido a la composición dentro del charco. Aunque la ropa de la chica no era exactamente la que me habría gustado, la presencia humana era lo que necesitaba la imagen. En la edición solo reforcé lo que ya estaba allí: subí ligeramente el tono(quitando el tono verdoso de la foto), la luz y el contraste para acentuar el reflejo y la atmósfera de la escena.

Hasta el próximo post.
Inquadratura

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Hace unos días decía medio en broma que “necesitaba una Raquel en mi vida” para mis fotos.

Pero en realidad no hablaba de compañía.
Hablaba de estructura.

Porque la figura humana en fotografía no es solo algo que añade historia o emoción. Es una herramienta técnica muy precisa.

Y esta imagen lo explica sola.

Un niño.
Un horizonte enorme.
Rocas.
Agua.
Atardecer.

Si él no estuviera ahí, la foto sería bonita. Sí.
Pero sería otra cosa.

La figura nos da:

Escala (nuestro cerebro necesita comparar)

El cerebro entiende el mundo por comparación.
Y no hay referencia más clara que otro cuerpo humano.

Sin él, el mar podría ser pequeño o enorme.
Las rocas podrían medir medio metro o diez.

Con él, todo se vuelve medible.

La escena deja de ser abstracta.

No es casualidad que fotógrafos de paisajes incluyan a veces personas en grandes espacios. Son unidades de medida.

Punto de “anclaje”

El ojo necesita dónde posarse.

En esta imagen, la silueta es el “ancla”.
Podrías intentar mirar el horizonte primero. No puedes.
Tu mirada va al cuerpo.

Incluso en escenas complejas, el ojo busca primero rostros o siluetas. Esto no es casualidad: estamos programados biológicamente para detectar figuras humanas antes que cualquier otra forma.

Profundidad

Sin la figura, el plano sería casi bidimensional: agua y línea de horizonte.

Con la figura aparecen capas:

– Primer plano: agua en movimiento.
– Plano medio: rocas y cuerpo.
– Fondo: horizonte y cielo.

La escena gana tridimensionalidad.

Se activa el espacio.

Dirección y recorrido

Una figura humana también puede dirigir la mirada:

Si camina hacia un punto: guía la lectura.

Si mira hacia un lado: genera tensión fuera de campo.

Si está de espaldas: invita al espectador a ocupar su lugar.

Peso visual

Una sola figura pequeña puede sostener todo el encuadre.

Colocada ligeramente hacia la izquierda, crea tensión.
Si estuviera centrada, sería más estática.
Si hubiera dos figuras, habría ritmo.

Lo que realmente cambia

Si borramos al niño, no solo desaparece “la historia”.

Desaparece la escala.
El punto de anclaje.
La profundidad.
El peso visual.

La imagen pierde estructura.

Y eso es lo que me interesa.

A veces la figura humana no está para protagonizar nada.
Está para que todo lo demás funcione.

Y entender eso cambia completamente cómo decides incluir,o no, a alguien en el encuadre.

⁂

Foto tomada con mi teléfono. No está editada. La hice cuando vi a mi hijo aventurarse entre las rocas. De pronto apareció esa figura que daba sentido al resto de la escena.

Trinité sur Mer. Bretaña

Hasta el próximo post.
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Llegamos a la estación más pronto de lo normal.
Hacía frío y había niebla. Mientras esperaba, vi a esta persona caminar por el andén. Saqué la cámara casi sin pensarlo (a lo que mi hijo me dijo: No empieces ) y click.

La escena era simple: estación, primera hora, niebla, una persona caminando.
Nada espectacular. Y, precisamente por eso, interesante.

1. La niebla

Normalmente una estación es un caos visual (aunque eso también es fotogénico): cables, postes, carteles, edificios, señales.
Esta vez la niebla hizo el trabajo por mí. Simplificó el fondo, eliminó distracciones y dejó solo lo esencial.

Aprendizaje: a veces no necesitas buscar un lugar más bonito, sino esperar a que la luz (o el clima) sea el adecuado. Y tendras una foto diferente.

2. Las líneas te ayudan y mucho

Las vías, el borde del andén, el techo, los cables… todo apunta hacia la figura.
No tuve que “forzar” la composición. Solo colocarme en el sitio adecuado y dejar que las líneas hicieran su trabajo.

Aprendizaje: antes de disparar, párate medio segundo y pregúntate: ¿Hay líneas?¿hacia dónde están llevando la mirada?

3. Una sola persona es suficiente

Si hubiera habido más gente, la imagen sería otra cosa.

Cinco minutos después, el andén empezó a llenarse. Gente, mochilas, movimiento…. Hice alguna foto más. Técnicamente correctas. Pero ya no eran lo que buscaba.

La imagen funcionaba precisamente porque había espacio.

Aprendizaje: en fotografía callejera, menos puede ser más. No siempre necesitas acción.

Y por último, como curiosidad y que supongo que tu vida cambiara ahora que lo sabes; te diré que a esta estación llegué yo desde España hace mas de 20, no iba a quedarme mucho tiempo, pero aquí sigo.

⁂

La foto antes de ser editada. Como lo que buscaba era transmitir esa sensación de soledad y de mañana fría, elegí el encuadre que mejor reforzaba esa atmósfera y eliminé a las personas que distraían en la escena. También bajé la saturación de los colores.

Estación Les Aubrais - Orleans.

Hasta el próximo post.
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Mi abuela me contaba que su madre había tenido un novio farero.
Farero. Me encanta la palabra.

Sí, era el encargado del faro. De esos que hoy casi no quedan porque todo es automático, pero seamos sinceros, un poco menos romántico. Pero entonces sí existían. Y ella lo dejó porque no quería irse a vivir a un faro.

Yo la entiendo.

Imagínate: viento constante, sal en las ventanas, visitas cero, el mar que lo adoro y me da miedo a partes iguales. Vivir aislada, lejos de todo. Tiene que ser duro. Muy duro.

Pero a mí los faros me encantan.

Tienen algo: esa mezcla de soledad y propósito. Están ahí, quietos, en mitad del caos, diciendo “por aquí no, por aquí sí”. Y son super fotogénicos, no me digas.

Así que he decidido que cuando tenga más tiempo libre voy a hacer un recorrido de faros.
Tengo fichados varios en Bretaña y en la costa norte de España. Solo de pensarlo ya huelo a mar.

La idea: Proyecto FARO.

Fotografiarlos en calma.
Con tormenta.
Con niebla.
Al amanecer.
A contraluz…

No tanto para vender el libro (aunque oye, nunca se sabe), sino por el placer del proceso. El viaje. La excusa perfecta para madrugar. El viento en la cara. El café en un puerto pequeño. Volver con las botas llenas de arena y la tarjeta llena de fotos.

Porque creo que tener un proyecto es fundamental.

Si no, las fotos se convierten en un grupo de imágenes inconexas. Bonitas, sí. Pero dispersas.
Y eso es un poco lo que me pasa ahora mismo.

Disparo. Me gusta. Archivo. Siguiente.

Sin hilo.

Un proyecto es una promesa contigo misma.
Es decir: durante un tiempo voy a mirar en esta dirección.

Mi bisabuela tenía razón y es mejor no vivir en uno.
Pero fotografiarlos… eso sí que lo firmo.

Este faro es uno pequeñito que está en la Trinité sur mer (donde solemos veranear y me recuerda cada vez que lo veo mi proyecto futuro: FAROS), Bretaña. Francia

Hasta el próximo post.
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Admiro muchísimo a Javier de la Torre.
Muchísimo.

Sigo el trabajo de Javier desde hace años. Me parece un fotógrafo enorme. Enseña increíblemente bien. Y además es más majo que las pesetas.

Le envidio muchas cosas.
No puedo decir eso de “de mayor quiero ser como él” porque… yo soy mayor que él. Así que lo dejaremos en “en otra vida”.

Pero hay una cosa que le envidio profundamente.

Su mujer.

Sí. Lo he dicho.

Raquel.

Porque Raquel viaja con él. Porque Raquel entiende lo que es parar cuando la luz está cambiando. Porque Raquel es esa persona que aparece en las fotos caminando hacia el horizonte mientras el cielo explota en tonos naranjas perfectamente medidos.

Yo, en cambio, tengo que esperar a que pase un desconocido.

En mis viajes (no fotográficos, claro está), mi marido y mis hijos van siempre por delante. Bastante por delante. Yo soy “la de las fotos”. La que se queda atrás. La que dice siempre: Un momentito.

Ellos no es que no quieran que haga fotos. Tienen bastante paciencia, pero es que no entienden lo que implica hacer una buena foto. Que la luz azul no aparece cuando tú quieres. Que una composición necesita tiempo. Que no es apretar un botón y ya.

Y ahí está la envidia.

No la foto.
No el viaje.
No la cámara.

La persona que entiende. Que acompaña. Que espera. Que incluso propone:
« ¿Y si probamos desde más abajo? »

Yo necesito una “Raquel” en mi vida.

O, en su defecto, apuntarme de una vez a un viaje fotográfico. Que está en mi bucket list desde hace mucho tiempo. Porque quizá no necesito que mi familia entienda la hora azul o dorada. Quizá necesito rodearme, aunque sea unos días, de gente que ya la entiende.

Mientras tanto, seguiré esperando a que pase alguien por el encuadre.
O a que, por accidente, mi marido se pare cinco segundos y quede bien en silueta.

Si no, siempre me quedará otra vida.

PD2: Apúntate a su Newsletter y verás a Raquel!

Y mientras esperando a que dos desconocidos que pasen por ahí ;)

Foto: Ayuntamiento de Orléans - Francia

Hasta el próximo post.
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Y siempre digo que tienen fobia a lo vacío.

Tengo la sensación de que cuando ven algo vacío ya sea una mesa, un armario, un hueco en cualquier rincón de la casa ; sienten una necesidad de rellenarlo. Y me dejan cosas. Siempre cosas.

Un papel.
Un cargador.
Una sudadera que “no está sucia”.
Algo.

Desde hace un tiempo lucho contra esto.
No sé… debo estar en mi fase minimalista.

A veces me da la ventolera y hago grandes limpiezas. Dejo lo menos posible. Vacío cajones. Reviso cajas. Y veo objetos que no hemos usado desde que nos mudamos aquí.

Hace 11 años.

Once.

¿Te imaginas?

¿Y por qué lo guardamos?
¿Qué mecanismo mental nos hace pensar que justo mañana, después de haberlo regalado, vendido o tirado, lo vamos a necesitar?

¿Una alineación de planetas?

Ya no es solo que cuanto menos tienes, menos ordenas.
Es que además no necesitamos tanto. De hecho si no lo usas es que no lo necesitas, ¿no ?

En fotografía a veces me pasa algo parecido.

Como no me he decantado por un solo tipo de fotografía, a veces juego a eso: a eliminar todo y dejar solo lo esencial.

La foto que te presento es un edificio de eventos y salones por el que paso delante todos los días, cuando voy al trabajo. Me encanta. Es completamente blanco. Geométrico. Limpio.

Pero necesitaba el momento exacto.

Sol.
y fuerte. (Y eso en Orléans es esperar al verano )
Para que las sombras fueran un elemento más.

Como el edificio es blanco, yo me vestí de negro riguroso. Y ahí me tienes, a plena solana, con mi trípode plantado en medio, esperando que la luz hiciera su trabajo.

Menos mal que no había NADIE.

Porque el minimalismo es precioso…
pero hacerte la interesante vestida de negro bajo el sol de justicia tiene sus límites.

Al final, en casa o en fotografía, es lo mismo:

Vaciar no es perder.
Es elegir.

Foto: Orléans - Francia

Hasta el próximo post.
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